江宏伟 1957年生于江苏省无锡市。1974年考入南京艺术学院美术系 。 1977年毕业于南京艺术学院美术系，留校任教，从该院教授李长白、刘菊清学习工笔花鸟画。现为南京艺术学院教授、硕士生导师，他着力于领悟发掘传统工笔花鸟画的精髓，其作品具有深沉而静穆的审美情趣，表现出现代式的古典情怀。 出版有《江宏伟画集》、《二十世纪下半叶中国画家丛书• 江宏伟》、《当代名家手稿系列•江宏伟》、《中国名画家精品集•江宏伟》等。  杭春晓 1976年出生于安徽当涂，2002年毕业于南京艺术学院，获美术史硕士学位。2006年毕业于中国艺术研究院，获美术史博士学位。现为中国艺术研究院研究生院学报《中国艺术学》编辑部主任。出版有《明代吴门画派》、《中国美术考古学史纲》等；并于《故宫博物院院刊》、《四川文物》、《美术观察》、《文艺研究》等发表论文《商周青铜器饕餮纹的宗教文化特征》、《考古学研究中跨学科问题刍议》、《由“悔迟”论陈洪绶性格之柔弱》、《绘画资源的开放——古物陈列所与民初中国画》等。

对艺术作品质量的理解 杭春晓（以下简称杭）：作为一位画家，您一直强调画面的感观经验，强调绘画在视觉形态上的感受与体验。那么在您看来，作为艺术存在的绘画，怎样才是好的作品，是有价值的作品呢？
江宏伟（以下简称江）：什么东西有价值呢？我个人认为，首先不要把艺术看得太玄乎。历史上的名画流传下来，有一些看法会影响你对它的判断。比如说夸大精神层面上的东西，像道家啊、儒家啊、佛家啊之类的思想。一幅画，有没有这些东西呢？可能会有一点。但画家画它的时候根本不会想太多与画无关的东西。这些东西是后人为了解读方便说的，你却把它当真理了。结果你根本不会注意到画面感观的东西，而一个劲地寻找绘画之外的东西。我个人认为，现在判断一幅作品，关键要看它是不是一件很好的手艺。就像瓷器，就是一个手艺。但不是所有做瓷器的手艺人都能做好的，做到精致的层面。于是，瓷器就分成了好多层次。为什么会分出层次呢？因为消费它的人分成了很多层次。所以你看现在的市场里，古代瓷器有很多，有官窑啊、民窑啊等等，但不是所有的瓷器都值钱，值钱的都是那些制作精致的东西，因为它的手艺好到了位，在当时就是为很高层面的消费者准备的，非常讲究。什么是讲究，不一定就是繁复，那是匠人。我说的讲究与精致是一种质地，就像一件很好的宋瓷，简单的器型下是极其单纯的感观享受。这种东西就是一种感觉，好和坏很难用语言描述，但你一眼就能辨认。我现在看到的画得特别好的画，就是看到一种“安分”。没看到思想，道教、儒教啊，什么都没有看到，就是看到很安分、很讲究的描绘。像一个明式家具做得很讲究、很好的，它是什么呢？它的消费层次很高，做得不好他不要，所以就往好了做。所以，在我看来一幅好的作品，首先就应该是最讲究的手艺。这个手艺可以是工笔的，也可以是写意的，比如说八大的画，就是一种精致、讲究的写意。
杭：当然，好的作品自然是精致而讲究的。那么，反过来精致的作品是否就一定是好的作品呢？其实，这样问是为了明确“精致”在含义上到底应该怎样理解，是否是我们通常所理解的画面精致。如果按照习惯中的认识，于非的画面也是一种精致，而这种精致与您所说的精致、讲究是否相同呢？
江：于非的画面也能算得上是一种精致，他的线条、色彩都是认真讲究的。但他将画面呈现的感观过程分解为一个流水线，对于流程中的每一道工序都非常讲究。他的这种精致与讲究还只是一种制作上的精致，而不是艺术层面上的精致与讲究。艺术上的精致与讲究应该渗透着一种对造物的敏感，一种对自然物象在观感上的细腻体验，或者说是一种情绪。比如说，你把宋画中的“一片叶子”和于非的“一片叶子”放在一起，再和自然中的一片叶子进行比较，你就能发现宋画在体悟自然上的一种造型的精致与讲究。它不像于非的画面，明显有着一种制作方法上的技巧感，而是一种单纯的描述，没有具体可以操作的一步步方法与流程，就像《芥子园画谱》那样的方法。宋画的精微不同于于非的地方，就在于它的描述是贴着画面对于自然的感悟呈现出来的，而不是后来的那种程式化、可以模仿的方式或方法。所以说，画面在感观上的精致与讲究，并不单纯是指画面制作上的讲究，更多的还是一种观物方式上的讲究。  对观物情绪的理解 杭：是不是可以这样说，我们现在对待传统的理解都存在误区，都过于关注画面的方式方法，而没有体会古人画面呈现中所包含着的对于自然的体会与感受角度呢？比如说，八大的画面与宋画在呈现的结果上差异较大，但它们之间对于描述自然的精神状态，或者说是情绪上都是一致的呢？
江：对，是一样的。其实，有些东西很难用语言来讲清楚，有时候我会觉得语言在表达上的无奈。因为一件艺术品的产生，不像一个电器产品，经过一个线路图以后，各种管子的排列，排列到最后就变成这件产品了，这样的过程可以用语言说清楚。但艺术并不是这么回事，很多时候，需要我们在各种感观体验中悉心反省。比如对待传统，我们更需要在古人的作品看出古人观察世界的眼睛，而不应该只是注重一种技术上的表现过程，像学习流水线一样地试图复制这种形式。应该通过古人的眼睛体会一种观物的情绪，对于这种情绪的表现要极度讲究，最后再自然地选择符合你自己的形式，完成作品。
 杭：您说的情绪问题，对于艺术而言是至为关键的东西。应该说，艺术品最终的成败就是取决于创作者的情绪。但是，并不是说情绪就能决定一切，有了情绪就一定能创作出好的作品。比如说写小说，不是写得不好的人就一定没有情绪，因为小说除了情绪之外，还涉及文字的驾驭能力和语言的处理能力，而这些能力的成熟，就取决于长时间的积累，是在不断的重复中获得的能力。其实，绘画也一样，我们对待传统，除了考虑其中的那种观物情绪之外，也需要一种形式经验上的积累与感悟。
江：对，是这样的。这种积累与感悟其实很简单，就是一种老老实实的反复体验。在这个过程中不需要想太多与画面无关的东西，需要单纯一些。有些人很有才气，但没有画出来，就在于想法太多，对待画面、对待自然有着很多与绘画无关的东西，想法多了，反而很难画出自己的东西。比如说我自己，从画画一开始，我就没有想过自己会成为什么样的画家，我也从来没有觉得自己会成为什么主流画家。只有这样，我才能对某一种东西非常投入，慢慢地关注，慢慢地进入。我会在院子里走，看着花草，姿态蛮好看的，而对于其他的一些东西，比如说什么观念、什么现代的意义并不怎么在乎。我只是用我的方式去感受，并且寻找一种合适的方式表现出来。
杭：那么，在您看来，传统形式是否是无关紧要的东西呢？
江：什么是传统形式？流传下来的就成了传统，这个传统的形式会变来变去。所以，在我看来，传统的精髓就是它怎样成为传统的，而历史上的好画，能成为传统留下来的，在创作上都极为本分和讲究职业道德的。比如开个商品店，它能够成为祖传的招牌，就是它的产品的每道工序都很讲究。它就会被人接受，慢慢留下来，留下后就成为了传统。但是现在好多人想到的都是连锁店，是靠传媒啊什么东西来宣传的。过去不是这样的，过去一定是要靠店主讲究产品的质量，产品制作得很好，店就经营得好，最后就留了下来。但现在传媒多了、宣传多了，人就开始变得不安分，不注意产品的质量，那还怎么成为新的传统啊！  对艺术作品价值的理解 杭：对呀，传统之所以成为传统，就在于它成为传统的态度，也就是画家对待艺术的态度。但现在因为市场的影响，很多画家都没有认真对待这一问题，有的人甚至都丢失了作为艺术家的尊严。因为在我看来，一个画家的尊严就在于他对待创作的态度，应该是画出他自己的东西。自己的作品应该在画室里完成，而不是跟着市场跑，作品不能市场化。但是有些画家出了名，就不重视自己的作品了，而更在意搞一些社会交际，到处跑。这里请他走走，那里叫他去去，跟着市场的需要画自己的画。这是这个时代画家面临的最大诱惑，也是最大的陷阱。缺乏很好的心态，整天关注自己的价格与市场，画家的精神追求荡然无存，哪里还能保持画家的尊严？怎么能画出好的东西？你看古代流传下来的作品，哪一幅不是精心创作的？四王的画，哪一幅又是一下就画出来的？
江：话说回来，艺术品的价值最终还是取决于它是否讲究，比如现在市场上可以看到的一些乾隆年间的画，我们不看是谁画的，也暂时不谈它的艺术魅力，仅仅看看这些画的制作功夫，你就能明白这些名不见经传的作品，为什么到今天还能有着一定的市场价值了。
杭：但是，今天很多画家却不是这样，他们想办法固定一个符号，然后大量炮制，然后再大规模去宣传，然后就开始操纵市场。当然出现这样的现象也是正常的，因为存在就是合理的嘛。那么为什么会出现这种并不应该出现的现象呢？关键在于消费者还没有成长为挑剔的有眼光的消费者，还显得盲目而缺乏判断力。如果艺术品消费者都很成熟，很挑剔，市场就不会是这样的。我们可以回顾，从建国到现在，什么时候才开始关注艺术消费的？也就是近几年的事情。因为人们对于审美的关注，只能在经济获得很大发展的情况下才能出现，人们只有富裕的时候才能进行审美。而现在这个阶段还是初级阶段，出现一些不合理的事情也是在情理之中的。比如说现在的日本以及中国台湾、香港艺术市场就相对成熟些，但它们也经历过中国大陆现在这样的阶段。所以现在大陆最好的东西还是台湾人买的。为什么？因为他们经历了一个过程，变得理性了，对艺术品有了甄别。所以如果现在的大陆市场中，消费者都很挑剔，市场就不会这样了。但这只是一个阶段，消费者走向挑剔是未来几年内的必然方向。
江：画家必须要认真对待自己的作品，才能被以后挑剔的消费者接受。我曾经到过一个藏家家里，看到一张很好的画，是一位有着一定地位的金陵老画家的作品，画的是一个农业耕作的场景，有很多拖拉机啊什么的。这个人是怎么得来的呢？是画家当时觉得画得不好，撕碎了要扔掉，他捡到后重新粘贴好、裱好留下来的。你说今天还有这样的画家吗？画得不好就毁掉？而不去卖钱？但当时的老画家却是这样认真的，一张画、一张画都很讲究。也许是因为当时没有什么市场，需求量少的缘故，但这种情况下画家是有机会画出很多精品的。所以在我看来从1949年到1978年这个时间里，在红色中国的这个主题下，有很多画家都是在认真地创作，那些作品是很有价值的。只是可惜有些画家在“文革”结束后并没有坚持这样的创作态度，有着太多随意应酬的作品流入社会，这就影响了这批画家最终的历史定位。其实，“文革”的这种情况有点类似文艺复兴时候的艺术，虽然一个时期的主题是宗教，而另一个是政治。但如果我们不去谈什么宗教、政治，那么两者有着一定的相似性。文艺复兴思潮促使了许多杰出的画家，认真而执著地为着一个目标创作。他们的作品极为讲究，带着一种敬畏的精神精心描绘。但现在，没有人对他画的画有着这样敬畏的精神，结果自然就没有以前的那种精致与讲究。想想看，那时候创作的作品确实精彩，能够留下的都是经过画家苦苦思索、精心创作出来的精品。所以，在我看来，一个画家首先需要做的就是在自己的能力范围内尽到自己作为画家的责任。讲到这里，我想起一点来，就是现在很多人在谈及画品、人品的关系时，总是把社会道德的因素纳入艺术的道德中去，而这是一个误区！就像医生对待病人一样，不能将社会道德与医生的道德混淆，医生不能因为是好人就尽心治疗，是坏人就不去治疗，好的医生应该是谁都去尽心治疗。也就是说医生的道德是针对疾病的，是尽心与疾病斗争的，而不是按照社会道德来做事。画家的道德也一样，不是什么社会道德范畴的事，而是针对绘画本体的。也就是说画家的尽职与否就是取决于画家能否尽自己最大的能力对待绘画本体，将自己对于自然、对于绘画的认识与感悟在画面中体现出来，并且做到自己能够达到的极致。