策展人宋晓霞专访

造型——中央美术学院造型学院教师作品展
中央美术学院美术馆系列专访之一地点：中央美术学院校园
时间：2010年8月23日下午 1:30-3:00系列访谈学术指导：王璜生采访人物：宋晓霞采访人：董慧萍 录音整理：坤林
美术馆：今年中央学术学院举办了造型学院教师作品展，是继去年《素描六十年》又一次大展。宋老师您作为策展人，能否谈一下本次展览的背景和您的构思。
宋晓霞：举办中央美术学院造型学院教师展，这个想法可谓由来已久。大概6年前，老院长靳尚谊先生就提出了中央美术学院教师双年展的设想。在中央美术学院美术馆新馆落成之前，潘公凯院长也提出要在新馆举办中央美术学院教师展。中央美术学院举办教师展的传统，可以追溯到老美院的时代。其中既有《首届素描大展》、《油画人体大展》（1988年），《二十世纪·中国》（1992年）这样产生广泛社会影响的大展，也有各系举办的带有同仁性质的系展，我还记得在老美院陈列馆，闻立鹏、潘世勋先生任油画系主任时举办的几次油画系展。
参展名单 这次展览是中央美术学院搬入新址后的第一次教师展，参展者包括造型学院在职教师和学院的博导，有100余位。在整个展览的筹备过程中，我们在展览学术委员会上争论最多的就是关于什么样的老师来参展的问题。最后大家一致同意，按照在编这样的身份来入选。苏新平老师从人事处拿了一份造型学院的名单，后来研究生处又补充了一份学院的博导名单，这就是造型展的参展名单。
平常的展览一般都是通过选择参展艺术家和参展作品来表达主题、理念和工作方向。不过造型展不可以，而且还是一种反向选择：每位在名单上的艺术家有权利选择参不参展。按照是否在编的身份来入选，说明展览没有回避所谓的体制性质或学院的性质，而是客观地、直接地面对这些情况。我开始是被动地接受这个名单，后来意识到这样一个参展的方式本身也有意义。这个名单是一份文献，说明参展者都是学院中人，无论你的工作方向在当代艺术的坐标图上的定位和指向如何，都在中央美院的编制内，是其中的一分子。这个名单，也是一个观念。
工作方法 做这个展览的方法，可以说是“实事求是”。一切从事实出发，直接面对中央美术学院造型学院老师们的创作情况，理性地认识全球当代文化的发展，在此基础上追求朴素、自然、从容、大气，这也是中央美术学院的本色。

美术馆：请您谈一下展览的特点表现在哪些方面？介绍一下此次参展作品的特色？
宋晓霞：讨论这次造型展的特色，不能只从造型学院或中央美术学院谈起，需要从整个当代艺术谈起。
创作多元化 我们今天的艺术已经非常多样了，这种多样不仅表现在艺术风格、艺术样式上，也表现在价值和观念上，表现为多元的工作方向。这个展览体现了中央美术学院总体的创作水平，同时需要特别指出的是：中央美院的创作就在今天整个中国乃至全球艺术之中。中央美院造型学院的教师及其创作早已深深地卷入了当今世界，国际双年展、国家重大历史题材工程、国际与本土的收藏拍卖等等都让我们切实感受到，学院里教师的创作不再仅仅是教学和科研共同体的一个部分，而是受到了国家乃至国际规则的约束和影响。要说中央美术学院教师创作走向多元化，最大莫过于这个变化。这种多元化的发展，不会让中央美院衰亡，相反，只有创作的多元化发展才能创造出和谐的世界。
如何认识中央美术学院的创作和整个艺术的关系，和当前艺术动态的关系，是我们做好这个展览的关键问题。我们的认识是什么样的，可能就决定了我们的展览是什么样的。
展览特点 具体来说这个展览有这么几个特点。第一个是尽可能自然朴素地呈现多元化的艺术探索，有什么就说什么，没有什么也不强说。第二个是力求融通。有分别、有隔阂才会有融，融是融合、融化。同在美院，可是大家在艺术创作上的工作方向其实各不相同，一朝集合在造型展上，彼此是竞相绽放，更是融会于一炉。这一点在三楼的展厅里比较明显。融通的“通”，是要“通古今之变”。我们有不少老师的创作，是努力将古文化传统创造性地转化为中国当代艺术的价值依据，比如在展厅一楼潘公凯和徐冰的作品，还有展厅四楼展望的作品《一小时等于一亿年》。展览的第三个特点，是在多元并置的条件下强调不同工作方向的对话和交往。比如展厅二层的主展厅内原有一个玻璃展柜，这里通常会展中国画作品。起初我们也想按照常规来做，希望能做成故宫那种经典的感觉。后来我们反其道而行，大胆地放了唐晖和武宏两位年轻老师的作品，还是纸制的，也还是绘画，可是他们的认识方法和工作方向与整个二楼的优秀作品形成了一个对话，这是绘画与绘画的对话。
从这个展览中，你可以感受到中央美院老师们的创作，原本就没有跟时代、社会和当代艺术割断，在传统文化与当代艺术之间可以有机地互动与交往，就像不同工作方向的老师，在美院的校园里会自然和自如地交往一样。也许这是学院的特质，当年穿长衫的齐白石与着西装的徐悲鸿、吴作人、李桦的那张合影给我印象很深。这种“美院经验”是值得深究的。

美术馆：本次展览特别以“造型”命名，这个名称积淀了中央美术学院多年来的造型艺术传统，请问您如何理解造型及美院的造型传统？
宋晓霞：“造型”是一个外来的词，古代没有，这是现代中国才有的新词。美术学院的形成与发展，和现代中国紧密相关。说回到造型传统上，如果我们抽象地讨论造型，可能会更多跟西方的造型传统相关联，这与我们整个现代美术教育建立在这样一个体制上是有关系的。
关于“造型”
具体到这个展览，我对“造型”的理解就不仅是这样一个传统——这是我们百年来努力学习和认识、迄今尚未穷尽的传统，而会更在意这样一个传统，引进中国以后是怎么融入了中国的现实，创造了什么，正是这一切塑造了我们的造型艺术传统。从实际出发看问题，才能客观认识中央美院造型艺术传统现实和未来的发展。我觉得中央美术学院的造型艺术传统，不仅仅局限在中央美术学院，把它放在近60年来全国造型艺术的发展和传统里来认识，才会更加准确。
展览学术委员会确定用“造型”命名这个展览我，不是因为这个展览的参展者来自于造型学院，而是因为大家心里有这么一个目标：如何把中央美院老师的创作放在全球艺术的大环境中来比量、来认识，怎么看到造型和今天当代艺术发生的互动，在互动中又会发生什么样的相互影响、相互塑造。我非常希望能通过这个展览促进这方面探索思考。

美术馆：参展规模之大史无前例，请您谈谈如此庞大展览的策展难度？
宋晓霞：呵呵，很有难度。我觉得最难的首先是认识上的难度。我自己首先要回答：造型艺术和当代艺术之间的互动关系是什么。
二元对立的意识形态 近一百年来，我们关于艺术的认识都无法脱离传统与现代这一对立所设立的意识形态框架。比如上个世纪初，我们会把传统水墨画看作西方艺术的对立物，从西方引进的油画雕塑就被当作新艺术的代表。与此相同，今天的绘画、雕塑似乎又成为观念艺术、新媒体艺术的对立物。这个意识形态框架也决定了今天一些作品的艺术形式、材料、风格和内容。
做这个展览迫使我去反思自己所受制的这个意识形态框架。如果我只能简单地把学院对应传统，就会找到它的对立物——所谓当代艺术。倘若这样的话，我们不仅不能认识当代艺术的发展，也无从解释自己；我们不能解释自己个人的艺术，更不能解释中央美术学院教师这个创作团队。我需要跳出这个框架来思考，来认识。一旦跳出这个二元对立的意识形态，其实你很容易发现学院老师们的创作非常丰富，也非常多元。
通常人们以为美院主要是造型技艺高超，不错，去年底中央美院主办的素描六十年大展证明了这一点。可是素描锤炼的又是什么呢？造型艺术的根本就是认识世界，观察世界，就是表达世界，是使自己的认识、头脑、目光更加精准。我们很难把手上的功夫和头脑、认识剥离，如果你一定要使它们二元对立，就只能把它们剥离开，我觉得这是一个误区。做这个展览时尽可能地让自己脱离这个误区，对我自己也是一个很大的挑战。
在最初的工作中，我曾经根据自己的研究为展览建构出一套理论上有层次上的东西，也做了一些工作。但是在具体做展览的过程中，我发现我必须转变，这个转变最明显的变化就是主动地“解构”自己刚刚建立的框架。因为“实事求是”的工作方法才是最有力量的。从事实出发，而不是从理念出发，才能造就展览整体的力量。所以，我从按照自己的认识构架“建立”展览的框架转变为“解构”这个框架，直接面对现实，按照我们老师们的创作实际来建构这个展览。
作品入选程序 今年3月各位参展者提交了两至三个参展方案。其中有的是一个草图，有的只是一个观念，有的还只是一个意向。我和几位策展助理分头、陆续跟各位艺术家沟通，根据他们提交的方案具体了解工作的细节。在这个基础上，7月我们做出了第一稿的方案，提交展览学术委员会全体会议。这一稿的方案争论很激烈，也形成了一些基本规则和结果，比如5米以上的大画应该限制在多少幅之内等等很具体的一些问题。根据会议结果，我们策展团队再去跟相关的艺术家沟通。暑假期间，策展工作进入到了展场的测量和空间的安排，这一轮之后，再做第二稿的策展方案。8月14日，展览学术委员会开会审议了方案第二稿这一次的不同意见少了很多，主要集中在几个方案上。9月4日，展览学术委员会将在展览现场审定布展方案。在造型展的整个工作过程中，展览学术委员会起到了非常大的作用，在学术上、艺术上，包括整个结构整体上，运用他们各自丰富的艺术经验和判断，给我们提供了很多帮助，是我们学术上的依靠。